Gao Brüder rezitieren Celans Poesie
Ich begann 2008 beim DaDao Live International Performance Art Festival aufzutreten, und 2011 begann ich, mit der Ladybug Theater Truppe Theater zu erforschen. Beim Navigieren zwischen Performance und Theater habe ich Elemente von jedem in das andere eingebracht und fand ihr Zusammenspiel faszinierend. Auf der Biennale von Venedig 2017 erregte Im Hofs Integration von Theater in die Live-Performance-Kunst meine Begeisterung und verstärkte meinen Glauben an die Kreuzbestäubung von Performance und Theater. Glücklicherweise bot das UCCA eine Plattform für diese Erkundung. Ursprünglich plante ich einen Dialog, entschied mich aber später, einen Workshop hinzuzufügen, um theoretische Leere zu vermeiden. Ich lud Cao Kefei, einen in Deutschland und China aktiven Regisseur, ein, den Workshop mit mir zu leiten. Ich konzentrierte mich auf Performance-Kunst, während sie sich auf Theater konzentrierte. Wir luden Künstler und Darsteller aus beiden Bereichen ein, um zu sehen, was aus unserer Zusammenarbeit entstehen würde.
Paul Celan ist ein Dichter, den ich besonders bewundere, also wählte ich seine Poesie als Hintergrund und Text für den Workshop. Wir begannen damit, seine Gedichte zu lesen, die unsere Aufführungen inspirierten. Ich schlug auch vor, Kiefers Gemälde für ein visuelles Verständnis der Poesie heranzuziehen. Vor der letzten Probe führten alle Teilnehmer eine Diskussion, um den Ton der Aufführung festzulegen. Das Konzept der "Ruinen" tauchte als Schlüsselthema auf, das sowohl physischen als auch geistigen Verfall umfasste. Inmitten des Abrisses vieler Kunstbezirke fühlten wir uns von Angst und Unbehagen umgeben, was natürlich Celans Poesie mit unserer aktuellen Realität verband. Lu Feifei hatte die Vision, Trümmer von Abrissstellen für eine Installation zu verwenden, während Xue Qinzi plante, riesige Flügel aus den Trümmern zu schaffen und durch den Raum zu schleppen. Diese Flügel erinnerten mich an Kiefers Gemälde, die oft gefallene Flügel zeigen. Ein weiteres Thema aus Celans Poesie war "Tod", das mit Xiao Shengjies Performance resoniert. Er saß regungslos unter einem großen schwarzen Vorhang und wurde so zum Hintergrund für die gesamte Performance.
Am 15. Dezember 2017 richteten wir den Raum ein, wobei die Installationen die Atmosphäre schufen. Der folgende Tag begann mit Poesielesen, gefolgt von kollektiven Proben und Übungen, die von körperlich bis stimmlich reichten und von verschiedenen Darstellern geleitet wurden. Kefeis umfangreiche Theatererfahrung half uns, die besten Elemente der Gruppenperformance zu bewahren und zu einem zusammenhängenden Ganzen zu verweben. Jeder Darsteller, ein erfahrener Künstler, trug brillante Improvisationen und Spontaneität bei und fügte der Performance unerwartete Elemente hinzu. Performance-Künstler, Theaterdarsteller, Tänzer und Musiker schufen in kurzer Zeit eine kraftvolle Synergie.
Am Nachmittag des 17. Dezember fand die Aufführung in zwei benachbarten Ausstellungsräumen im UCCA statt. Ein Raum wurde in eine Szene physischer Ruinen verwandelt, wobei die Künstlerin Lu Feifei eine trostlose Installation "Ruinen" aus weggeworfenen Holzplanken konstruierte. Blaues Licht schien von hinten, mit einem abgenutzten Sofa und einer Lampe daneben und alten Ziegeln in einer Ecke. In diesem Raum kämpfte Xue Qinzi, um sich mit den schweren, aus Abrissdebris hergestellten Flügeln zu bewegen. Im angrenzenden Raum saß der Performance-Künstler Xiao Shengjie regungslos unter einem großen schwarzen Vorhang und wirkte wie eine statische schwarze Skulptur. Seine Performance verlieh dem Raum eine mysteriöse und rituelle Atmosphäre und symbolisierte Tod und die Metapher des schwarzen Vorhangs.
Xiao Shengjies Performance-Szene
Die beiden Räume, einer repräsentierte die Realität und der andere die Metapher, durchbrachen sowohl die Beschränkungen einer traditionellen Bühne als auch feste räumliche Grenzen. Die Aufführungen fanden gleichzeitig in beiden Räumen statt, waren über verschiedene Standorte verteilt, aber dennoch durch einen zugrunde liegenden Faden verbunden. Die Zuschauer konnten sich frei zwischen den Räumen bewegen und Teile zum Ansehen auswählen. In Wirklichkeit konnte niemand die gesamte Aufführung in ihrer Gesamtheit sehen; jeder erlebte eine andere Version. Das Publikum war nicht nur passive Beobachter, sondern aktiv engagiert, ohne klare Trennung von den Darstellern. Oft wurden sie Teil der Performance, und die Darsteller traten dem Publikum bei.
Xue Qinzi's Performance-Szene
Am Eingang befand sich Cao Kefeis Installation mit Streichholzschachteln, die mit Bildern von Kiefers Gemälden umwickelt waren. Diese Streichholzschachteln zeigten Zeilen aus Paul Celans Poesie: "Ewig ohne Ort, in Erinnerung, aber wo?" In den Streichholzschachteln befanden sich Celans Gedichte. Der Musiker und Darsteller Sun Dasi schuf eine Aktion, die die Barriere zwischen Sänger und Publikum durchbrach, indem er ein Mikrofon am Eingang platzierte. Er lud das Publikum ein, Celans Zeilen aus Cao Kefeis Installation "Ewig ohne Ort" ins Mikrofon zu lesen. Mit einem Loop-Gerät überlagerte er die Stimmen verschiedener Leser und improvisierte auf der Gitarre, wodurch eine immersive Klanglandschaft entstand.
Als die Aufführung begann, rezitierten die Künstler Gao Brüder Paul Celans Poesie mit ihren tiefen, magnetischen Stimmen. Die laute Szene verstummte sofort, erfüllt von ihren resonanten Tönen.
"Ich bin der Erste, der Blau trinkt, es sucht immer noch
Seine Augen
Ich trinke aus deinen Fußspuren und sehe:
Du rollst mich über deine Finger, Perle, und du wächst!
Du wächst, wie all diese Vergangenheiten
Die du überrollt hast: dieser schwarze Hagel der Trauer
Fällt in einen geweißten Schal, wegen dieser Abschiedswelle.
Deine Hände sind voller Zeit, du gehst auf mich zu - und ich sage:
Dein Haar ist nicht braun
Also hebst du es sanft auf die Waage der Trauer; es wiegt mehr als ich..."
The Gao Brothers lesen Poesie
Die Gao Brüder bewegten sich zwischen dem Performance-Raum und dem Publikum, verschwanden manchmal, um nur ihre Stimmen im Raum widerhallen zu lassen, und kletterten zu anderen Zeiten auf die Ruinen, um zu rezitieren. Die Musikerin Fanny schuf einen atmosphärischen Soundtrack mit dem Thema "Schneebett", basierend auf Paul Celans Poesie, und begleitete den Fortschritt der Aufführung durch Live-Improvisation. Ihre Musik, mit einem Synthesizer produziert und gelegentlich mit Gesang versehen, trug die Melancholie, Dunkelheit, Zerbrochenheit und Verschwommenheit von Celans Werk und tauchte den gesamten Raum in eine musikalische Atmosphäre.
Das Publikum, zahlreich und untrennbar mit den Darstellern verbunden, sammelte sich und zerstreute sich mit dem Fortschritt der Aufführung, wobei Darsteller und Publikumsmitglieder fließend ihre Rollen tauschten.
Die Aufführung entfaltete sich allmählich vor Xiao Shengjies schwarzem Vorhang, beginnend mit einem Gruppentableau. Jeder Teilnehmer verband sich durch körperliche Berührung, bildete eine zusammenhängende körperliche Masse, die sich langsam diagonal durch den Raum bewegte. Dieser Teil, eine Erweiterung der Kontaktimprovisation, war eine kollektive Performance von allen. Dies wurde gefolgt von stillen Schreien, die aufgrund übermäßig geöffneter Münder Gesichts- und Körperverzerrungen verursachten.
Gruppentableau, Stille Schreie
Die Künstlerin Yan Yinong interagierte mit der schwarzen Skulptur durch Körpersprache. Sie stellte sich hinter ihr auf den Kopf, ihre Beine über der Skulptur gespreizt, und interpretierte deren Form neu und dekonstruierte ihre Bedeutung. Dann benutzte sie ein Seil, das sie gefunden hatte, um das dicht gedrängte Publikum zu lenken, das bei dieser unerwarteten Störung überrascht auseinander stob.
Die Inspiration der Künstlerin Sun Dasi kam von Celans "Todesfuge". Mit großen Kratzinstrumenten in der Hand ging sie im Stil der Peking-Oper durch die Korridore und rezitierte: „Schwarze Milch der Frühe trinken wir abends, wir trinken sie mittags und morgens, wir trinken sie nachts, wir trinken und trinken...“ Ihr repetitives Rezitieren, das mit einer stark rhythmischen Stimme durch die Ausstellungshalle schallte, fügte Celans dunklen Versen Humor und Ironie hinzu und dekonstruierte und rekonstruierte sie mit einem unvorstellbaren Sinn für schwarzen Humor.
Sun Dasis Rezitation
Auch der Tanz des Tänzers Xin Ya wurde von Celans "Todesfuge" inspiriert. Er interpretierte den Tod durch einen Tanz der Dunkelheit und einen Tanz des Fliegens, die zwei Aspekte des Todes darstellten: einer in Richtung Hölle und der andere in Richtung Himmel. Zuerst führte er einen japanischen Butoh-Stil „Tanz des Todes“ mit einer Maske auf und tanzte innerhalb von Xiao Shengjies Installation. Seine verzerrten Bewegungen, begleitet von düsterer Musik, wirkten wie die eines Tänzers aus einer dunklen Welt. Als er sich dem Publikum und dann Yan Yinong näherte, schloss sie sich spontan einem Tanz mit dem 'Sensenmann' an, der zunächst intim wie Liebende erschien. Doch der Tanz wurde plötzlich gewalttätig und brutal, er zog ihren Körper und würgte sie, bis sie fast erstickte. In einem anderen Segment trug Xin Ya weiße klassische Kleidung wie ein himmlisches Wesen und verwendete Elemente aus den fliegenden Figuren der Dunhuang-Wandmalereien in einem Solotanz. Ein unvergesslicher Moment war, als ein alter Mann (Herr 4.0), der eine Tasche voller verschiedener Gegenstände aus einem anderen 'realen Raum' zog, langsam diesen 'metaphorischen Raum' betrat und auf dem Weg zum 'Tod' dem ätherischen, weiß gekleideten Tänzer begegnete...
Xin Yas Tanz des Todes
Xin Ya und Yan Yinong
Xue Qinzi in der Performance
The Encounter of Two Time-Spaces
Die Begegnung zweier zeitlicher Räume wurde durch intermittierende Schreie und Heulen gekennzeichnet. Xue Qinzi, die am Boden kämpfte, zog schwere Flügel aus Trümmern hinter sich her und kroch mühsam vorwärts. Ohne Führung drehte sie sich auf der Stelle. Das Gewicht der Flügel machte ihre Bewegung mühsam, und selbst als sie allmählich auseinanderfielen, zog sie die gebrochenen Flügel weiter, bis sie mit blauen Flecken und Wunden bedeckt war. Ihre Performance bewegte das Publikum zutiefst, viele wurden zu Tränen gerührt.
In diesem Raum rezitierte Zhang Wei mit seiner hohen, ansteckenden Stimme Poesie. Zwei andere, ein Mann und eine Frau (4.0 und Er Yu), bauten kontinuierlich ein Haus mit ihren Körpern, das unter gegenseitigem Druck zusammenbrach und wieder aufgebaut wurde. Ein anderer Mann (Xu Weihua) trug einen Eimer Wasser am Rand des Raumes entlang und entkleidete sich schließlich neben den Ruinen, um Wasser über sich zu gießen, was eine Dusche symbolisierte. Dann sammelte er das Wasser wieder im Eimer und setzte seine "Reinigung" fort.
Außerhalb des Raumes bewegte sich eine Person (Lu Feifei), die in einem ungewöhnlichen Kostüm vollständig verhüllt war, unsichtbar und umherwandernd, und stieß auf verschiedene Hindernisse, berührte Wände und Zuschauer und navigierte ihre eigene Reise in der Dunkelheit.
Xu Weihuas Duschszene, eine Metapher für Duschen vor dem Betreten von Gaskammern
Lu Feifeis Präsenz als gesichtslose Person
Plötzlich versammelte sich eine Gruppe, stampfte mit den Füßen und rief: "Es ist Zeit", wobei sowohl die Stimme als auch das Stampfen lauter wurden. Dann stürmte ein Betrunkener in einem Militärmantel, der nach Alkohol roch und eine halbe Flasche hielt, herein. Er schloss sich der Aufführung an und lud andere ein, in betrunkenem Zustand mit ihm zu trinken. Neben einem Sofa in der Nähe der Ruinen sitzend, mit Getränken und Erdnüssen ausgelegt, glichen sie obdachlosen Personen aus der Stadt, die vor einem verlassenen Sofa und einer Lampe tranken und plauderten. Dies war die Performance des Künstlers Xin Wangjun.
Zuschauer, die an Xin Wangjuns Trink-Performance teilnehmen
Mit Hilfe anderer kroch Xue Qinzi aus einer Ausstellungshalle heraus und entfernte ihre Flügel. In der "metaphorischen" Halle näherte sich die Aufführung ihrem Ende. Die Darsteller versammelten sich neben dem schwarzen Vorhang, griffen jeder eine Ecke und enthüllten ihn langsam. Xiao Shengjie, der eine Stunde lang still gesessen hatte, erschien in Schwarz gekleidet und mit schwarz gerandeter Brille. Die Aufführung endete im Dunkeln, gefolgt von nicht enden wollendem Applaus während des Vorhangfalls.
Xue Qinzis Performance
Der Moment, als der schwarze Vorhang enthüllt wurde, markierte das Ende der Aufführung.
Das Publikum, tief eingetaucht und berührt, wurde von der Kunstfertigkeit der Darsteller und der Atmosphäre der Szene angesteckt. Nach einer kurzen Pause begann das Forum, moderiert von mir. Das Publikum blieb fast vollständig und hörte aufmerksam zu. Die Gao-Brüder teilten ihre Perspektive als Praktizierende und diskutierten über ihre Arbeit "Embrace" und das Konzept des urbanen Theaters. Tian Gebing sprach über die Gründung der "Paper Tiger" Theater Company und seine frühen Erfahrungen, Performance-Künstler in seine Theaterproduktionen einzuladen. Luo Haiming, ein deutscher Theaterregisseur, diskutierte das Konzept des Theaters aus theoretischer Sicht. Hao Qingsong und Ariel sprachen aus der Perspektive der zeitgenössischen Kunst über Performance und Theater.
Forum
Tian Gebing spricht
Die Forumszene, mit einem begeisterten Publikum
Cao Kefei fehlte beim Vorhangfall und beim Beginn der Diskussion. Später erfuhren wir, dass sie vom Regisseur zur Darstellerin gewechselt war und mit Xin Wangjun und anderen neben den Ruinen getrunken hatte. Als sie ankam, äußerte sie: "Der Regisseur ist nicht wichtig, die Darsteller sind es." Der letzte Teil des Forums lud alle Darsteller ein, ihre Erfahrungen im Workshop zu teilen. Dies wurde gefolgt von Interaktion und Austausch zwischen dem Publikum und den Darstellern.
Dieser Workshop erforschte die Möglichkeit, Performance-Kunst und Theater zu kombinieren und stellte etablierte Konzepte von Performance und Verhalten in Frage. Im allgemeinen Verständnis wird Performance-Kunst als Verwendung des Körpers als Material und Medium für konzeptuellen Ausdruck gesehen. Insbesondere in China bleibt Performance-Kunst oft eine Imitation des Verständnisses des Genres aus den 1960er-70er Jahren, mit einer strengen Unterscheidung zwischen Performance und Schauspiel. Ähnlich verhält es sich in der Theaterwelt, wo immer noch ein konservatives Verständnis herrscht und die globale Transformation des Theaters von traditionell zu postmodern übersehen wird. Das postmoderne Theater hat sich von skript- und bühnenzentrierten Darbietungen hin zu textlosen und nicht-bühnenbasierten Aufführungen entwickelt. Hier porträtieren die Darsteller nicht länger andere, sondern drücken Leben und Existenz aus, ähnlich wie Performance-Künstler.
Dieser Workshop löste im Wesentlichen die festen Vorstellungen und Verständnisse von Performance-Kunst und Theater auf. In dieser Aufführung waren einige Teilnehmer Performance-Künstler, die typischerweise allein an ihren Stücken arbeiteten. Hier jedoch wurde jeder Künstler zu einem Theaterdarsteller, Teil eines Kollektivs, interagierend und in Verbindung mit anderen Darstellern. Theaterdarsteller, Musiker und Tänzer, inspiriert von Paul Celans Poesie, hatten ihre eigenen einzigartigen Eigenschaften in dieser Aufführung. Ihr Tanz, ihre Bewegungen und ihre Stimmen waren alle Formen der Performance-Kunst.
Aus der Perspektive des Theaters war diese Aufführung ein vollständiges Theaterstück, aber aus der Perspektive der Performance-Kunst war es eine theatralische Präsentation von Performance-Kunst. Sie löste auch die Rolle des Regisseurs auf, indem sie jedem Darsteller ermöglichte, sowohl sein eigener Regisseur als auch Darsteller zu sein.
Dieser Workshop "Performance-Kunst und postmodernes Theater" erforschte nicht nur die Beziehung zwischen Performance-Kunst und Theater, sondern auch die Beziehungen zwischen Poesie und Realität, Realität und Virtualität, Regisseur und Aufführung sowie Darsteller und Publikum. Luo Haiming definierte diese Aufführung als Feldkunst, Hao Qingsong sah Tragödie darin, und Tian Gebing fühlte Wärme in diesem kalten Winter. Für jeden Teilnehmer war es ein aufregendes Erlebnis, Freude am Schaffen durch Zusammenstöße und Inspirationen zu finden. Für Cao Kefei und mich war es die Verwirklichung dessen, was wir zu sehen hofften - die Möglichkeiten an der Schnittstelle von Performance-Kunst und Theater.
Cao Kefei bei der Probe im Workshop.